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dimanche 24 juillet 2011

Marc Bolan, T-Rex : Born to Boogie

(réalisé par Ringo Starr, 1972)

Some people like to rock
Some people like to roll
But movin’ and a-groovin’s gonna satisfy my soul

Que se soit clair, si vous n’aimez ni la sublime extravagance des 70’s,  ni vous déhancher en chantant très fort et très faux les tubes ravageurs de T-Rex, ni même la bouille on ne peut plus sexy de Marc Bolan, alors ne vous lancez pas dans Born To Boogie car il n’est question que de ça !

Marc Bolan, après une brève carrière de mannequin, quelques singles solo et un essai avec le groupe John’s Children, fonde le duo Tyrannosaurus Rex avec Steve Peregrin Took en 1968. Admiratif de Bob Dylan, dont il tire son nom de scène (son vrai nom étant Mark Feld), il compose des morceaux folks aux textes poétiques, inspirés par l’univers féérique des écrits de Tolkien. Il rencontre alors un succès mineur. Mais Bolan voit plus grand et rêve de devenir une véritable rock star à la Presley, à la Chuck Berry, à la manière de tous les pionniers de la musique rock auxquels il voue un véritable culte. En 1970, il décide de passer à l’électrique et Tyrannosorus Rex devient le plus clinquant T-Rex. Il s’entoure de Mickey Finn, à qui il avait déjà donné la place de Steve Peregrin Took depuis un an, du bassite Steve Currie et du batteur Bill Legend. L’album T-Rex marque le début de l’ère électrique du groupe, un an avant le succès du fabuleux Electric Warrior.

Marc Bolan et Mickey Finn, 1972 (Keith Morris)

Et c’est donc en 1971, en pleine "T-Rextasy" que Marc Bolan, personnalité à tendance mégalomane, songe à faire de lui-même et de son groupe dont il est si fier, le sujet d’un film. Il entraîne  le beatle Ringo Starr avec lui qui accepte de produire le projet avec sa maison Apple Film Production.

L’idée du documentaire est d’intercaler des séquences de live tournées lors de deux concerts à Wembley en 1972, avec des scènes surréalistes dans lesquelles apparaissent, entre autres, Bolan et le groupe. Le film comporte aussi une scène de bêtisier directement intégrée dans le montage final et des séquences tournées en studio avec Sir Elton John, où tous sont déguisés ou maquillés et jouent entourés d’animaux empaillés.

A la fois influencés par le surréalisme ambiant des seventies et le baroque des films de Fellini dont ils sont fans, Marc Bolan et Ringo Starr décident donc d’entrecouper le documentaire de certaines séquences à caractère absurde qui, on peut le dire, ne sont rien d’autre que du grand n’importe quoi ! Pour vous donnez une idée, la toute première scène bizaroïde du genre consiste en l’arrivée au loin d’une cadillac, roulant sur une piste d’attérissage, avec à son bord, Bolan coiffé d’un haut de forme façon Chapelier Fou et Ringo Starr sous un costume de souris. Une fois la voiture à l’arrêt, un téléphone sonne, Bolan décroche, part dans un dialogue qui n’a absolument aucun sens tandis que la souris géante se met à couiner, et qu’au loin derrière, un Marc Bolan en carton se déplace dans l’herbe. La scène atteint le paroxysme du non sens quand soudain un nain en cape de super héros apparaît. Bolan le frappe avec une tapette à mouche et alors pour se venger il se jette comme un demeuré sur le rétro de la cadillac et se met à s’empiffrer du dit rétro qui s’avère être en chocolat. N’importe quoi je vous dis. Et ce n’est pas tout, je vous laisse découvrir par vous-même la scène de tea party en plein air avec la nonne travestie, ses bombasses de consœurs et un major dom moitié fou.

Ringo Starr et Marc Bolan sur le tournage de Born To Boogie

Mais rassurez-vous, ces scènes un peu déroutantes, bien qu’amusantes, ne constituent pas la majeure partie de Born to Boogie. L’intérêt du film reste les images des deux concerts à Wembley. Ringo Starr et son équipe, avec leurs cinq caméras et l’enregistrement live sur seize pistes ont réussi à en retranscrire l’ambiance complètement survoltée. De vrais shows au sens le plus significatif du terme. Non pas que le groupe s’était entouré de décors ou d’accessoires qui en foutaient plein la vue, pas besoin. L’attitude scénique de Bolan, en perpétuelle démonstration, accompagné du sautillant Mickey Finn, suffisait à combler l’œil et à aliéner le public ; et puis, la solide et irrésistible session rythmique formée par Steve Currie et Bill Legend ne pouvait qu’électriser la foule et la faire se déchaîner. Les nombreux plans sur les fans du premier rang en sont la preuve : aucun qui n’est pas en transe. T-Rex souffre d’ailleurs un peu du syndrome hystérie propre au Beatles : parfois l’intensité des hurlements des groupies arrive à couvrir la musique, surtout sur les ballades acoustiques comme la sublime "Cosmic Dancer". Et Bolan ne fait rien pour que ça s’arrête, au contraire, il ne peut pas s’empêcher de faire ses habituelles mimiques et gémissements suggestifs qui ne font que doubler le volume sonore des cris des filles. C’est que le chanteur a furieusement tendance à l’outrance et aussi très certainement à l’adoration de lui-même (il porte un t-shirt à sa propre effigie), je conçois parfaitement que ça puisse énerver.

D’ailleurs je conçois aussi que tout ce truc Glam Rock à paillettes peut vous sembler un peu ringard. Et pourtant je ne crois pas que Born to Boogie puisse n’intéresser que les fans de mon espèce. Non vraiment. Parce que s’il y a bien une chose qui ne pourra jamais, mais alors jamais perdre de son éclat, c’est le son de T-Rex. Un son jouissif et efficace. Oui pour moi, T-Rex c’est tout simplement ça : de la joie dans ce qu’elle a de plus primaire. Ne me dîtes pas que vous pouvez rester assis, complètement immobiles en écoutant les riffs chantant et le rythme bondissant de "Get it on (bang a gong)", de "Hot Love", de "Jeepster", de "Telegram Sam"…c’est tout bonnement impossible ! Même les roadies qu’on aperçoit sur les côtés de la scène ne peuvent s’empêcher de chanter et de se dandiner.


Sur le dvd du film, sorti en 2006, on trouve un documentaire complémentaire avec encore plus de ces séquences live. Rolan Bolan, le fils que Marc Bolan a eu avec la chanteuse Gloria Jones, est aussi filmé dans des entretiens avec des proches de son père (le survivant du groupe Bill Legend, le producteur Tony Visconti, le photographe Keith Morris…) qui racontent l’histoire de Born to Boogie, et plus généralement celle du chanteur mort prématurément en 1977, dans un accident de voiture, un mois après le décès du King. Tous s’accordent sur le professionnalisme de Marc Bolan et à la fois sur son envie irrépressible de s’amuser, de jouir de tout, tout le temps. Tous insistent sur cette vraie générosité d’artiste qui, même pour un ingénieur du son et trois amis en studio, se donne comme s’il était face à deux mille personnes. Un sens inné de la scène, du spectacle. C'est l'image de Bolan qui demeure : celle d’une vraie rock star comme on n’en voit plus, une figure éblouissante, arrogante, sans limite dans l’amour de sa réussite et du son parfait, toujours prête à en faire plus pour briller encore.
Hanemone

"Jeepster", live Wembley 1972


Scène bêtisier


"Telegram Sam", live Wembley


"Children of the Revolution", en studio avec Elton John

vendredi 22 juillet 2011

Eleanor Friedberger, Last Summer

Caresse nostalgique


Vous connaissez peut-être les Fiery Furnaces : ce groupe américain, formé autour de Matthew et Eleanor Friedberger, capable d’avoir plus d’idées musicales sur une chanson que la plupart des autres groupes sur un album entier. Depuis plus de dix ans, le frangin et la frangine nous questionnent sur le concept même de chanson, le processus de création et les acquis de la musique contemporaine. Fortement marqués par les surréalistes, le « stream of consciousness » de la littérature du XXe, et les avant-gardes musicales (Zappa et Captain Beefheart entre autres),  les Fiery Furnaces ont conçu des albums où ils jouent à malaxer le rock, la pop, le jazz, le funk, etc. à l’aide de leurs éternelles âmes d’enfants. Si au premier abord leur musique peut sembler incohérente ou opaque, elle se révèle très vite d’une richesse à la hauteur de sa spontanéité. Car aussi intellos qu’ils soient les FF n’oublient jamais de proposer des vraies chansons  que n’importe qui peut apprécier.
Quand j’ai appris que la voix du duo allait sortir un album solo je n’ai pu m’empêcher de trépigner d’impatiente. Il faut dire que c’est cette dite voix qui m’a fait aimer d'abord les FF : une douceur rassurante mêlée à des saillies verbales façon « spoken word ». La question est alors de savoir si elle pouvait s’affranchir des folles instrumentalisations de son de frère. Avec les derniers albums du groupe, Widow City et I’m going away, on découvrait une Eleanor au chant de plus en plus mature et ce Last Summer (Merge) semble confirmer ces impressions. Toujours aussi bavarde, elle semble au sommet de son art vocal. Et ceci sur un disque qui brille par sa diversité et sa pudeur.
Si les arrangements du frangin son bien présents, ceux-ci épousent les compo d’Eleanor avec une sobriété aussi étonnante que plaisante (« My Mistakes »). Le disque est globalement calme, empreint d’une nostalgie souvent touchante, où il est question du dernier été new-yorkais de l’intéressée. Il est difficile de référencer clairement sa musique, on peut retrouver cependant une certaine touche seventies (« Inn of the Seventh Ray »), de la pop classique (« I won’t fall apart on you tonight ») ainsi que des belles ballades (« Scenes from Besonhurst » qui donne des frissons). C’est également une sorte de beauté visuelle qui s’échappe des dix chansons, quelque chose de très cinématographique, comme un plan subjectif contemplatif où l’on s’imagine en train de se balader, de Brooklyn à l’East River. On suit Eleanor ramassant des souvenirs éphémères aux coins des ruelles et des avenues de la grosse pomme.

Cet album n’est pas un sous-Fiery Furnaces comme on pouvait le craindre. C’est un objet singulier, inventif, doux et maîtrisé, qui prouve, s’il en est besoin, qu’Eleanor Friedberger est au moins en moitié responsable du succès du groupe. Profitons de cet état de grâce pour se délecter comme il faut de cette parenthèse exquise.
Punching Joe
L'album en écoute ici
"My Mistakes", clip (sacré coup droit au passage)

"Inn of the Seventh Ray"

"I won't fall appart on you tonight" live

lundi 18 juillet 2011

The Babies, Nodzzz LP

Garage-Pop instantané

Comme j’en ai rien à foutre de Wu Lyf, Bon Iver ou tout autre groupe qui veut me faire croire qu’Arcade Fire a eu une quelconque influence et n’est pas seulement un truc inventé par des mormons québécois pour dominer le monde,  je ne déblatérerai sur aucun de ces machins comme il est d’usage en ce moment. A la place, j’ai essayé quelque chose de bien moins prise de tête : écouter des albums, qui à défaut de créer des sectes, me permettent d’oublier mes soucis. C’est comme ça que je suis tombé sur eux : The Babies et Nodzzz, deux groupes animés par la même passion pour la pop immédiate. De vrais bonbons acidulés, nécessaires dans ce monde sous prozac.
The Babies, s/t (Shrimper Records)
The Babies est le nouveau groupe de Cassie Ramone et Kevin Morby, membres respectifs des Vivian Girls et de Woods, soit deux groupes majeurs de la nouvelle scène new-yorkaise (avec Crystal Stilts, Beach Fossils, etc.) que l’on ne peut que jalouser. Un projet sous forme d’un kiff entre potes qui a donné naissance à un album simplement cool, transpirant la nostalgie de l’adolescence. On y retrouve des éléments propres aux deux groupes : le lo-fi de Woods ou les fulgurances noise des Vivian Girls ("Sick kid" en est l’exemple parfait).
Le tout enveloppé dans des chansons d’une limpidité affolante. Des mélodies qui viennent immédiatement se graver dans notre cerveau, lui qui n’en demandait pas tant ! L’obsédante "Sunset" est sa guitare surf donne envie de danser joyeusement sur une plage, tandis que "Meet me in the city" nous ramène à nos 15 ans plus rapidement que n’importe quelle Delorean tunée. Les Babies font ce qu’ils veulent : de la pop lumineuse ("Run me over") au rock indé introspectif ("Wild 2") en passant par le punk ("Personality"). Par ailleurs le chant est partagé équitablement ce qui donne au disque une originalité supplémentaire ; avec une mention spéciale pour Cassie Ramone qui entre définitivement dans mon top des voix de filles qui me font chavirer (pas loin d’Eleanor Friedberger et d’Alela Diane). Ce disque fait juste du bien, beaucoup de bien…Oh sweet sixteen ! (écoutable en intégralité ici)

Nodzzz, Innings (Woodsist)
C’est le deuxième album de ces 3 gars au look nerds qui débarquent de la banlieue de San Francisco. Signés chez Woodsist (Woods, White Fence) les Nodzzz se démarquent par leur garage-pop d’éjaculateurs précoces : 14 chansons, 23 minutes, ils n’y vont pas par quatre chemins. Les guitares de Sean Paul Presley et Anthony Atlas s’invitent tour à tour sur la piste de danse et force est de constater que nos hanches ne résistent pas longtemps à les rejoindre. S’ils s’inscrivent dans la lignée des groupes de surf-pop qui bourgeonnent actuellement (Wavves & co) les Nodzzz montrent avec modestie qu’ils sont avant tout des orfèvres de la mélodie  plutôt que des petits branleurs qui se reposent sur leurs acquis.
 La spontanéité de leurs compos, faite de riffs précis, de solos concis et de voix naïves, est jouissive ("Fear of advice", "True to life", “Time (what’s going to do)"). Par moment on croirait presque entendre des démos des Feelies, avec cette même intention de faire galoper la musique avec frénésie. L’album est donc très homogène, trop diront certains. S’il ne risque pas de marquer l’histoire de la pop, louons néanmoins le plaisir éphémère qu’il procure. Un peu comme une bonne bière fraiche dans une chaude journée d’été, on n’y pense pas pendant des mois mais en l’espace de 20 minutes elle nous comble de bonheur.
Punching Joe

the Babies, "Sunset"

the Babies, "Meet me in the city" live

Nodzzz, "True to life"

Nodzzz, "Time" live

dimanche 10 juillet 2011

Tim Cohen, Laugh Tracks

Oh, what a feeling

Non content de bâtir une discographie irréprochable avec son groupe the Fresh & Onlys, Tim Cohen  sévit aussi en solo et livre des disques aussi splendides qu’introspectifs.  Depuis 2008 le barbu de San Francisco n’a cessé de composer, au point de n’avoir même plus le temps de se raser : trois albums avec les Fresh & Onlys, trois autres en solo et un nombre indécent d’EPs. Loin de la pression des maisons de disques Tim Cohen profite d’une totale liberté pour nous faire partager son état de grâce musical, construit autour d’enregistrements lo-fi et d’une sincérité troublante. Ce Laugh Tracks (Captured Tracks), sorti il y a un an, est son deuxième disque. A la fois intimes et lumineuses, ses onze chansons constituent une œuvre quasi parfaite qui risque de rester dans les annales du rock indé.
A la première écoute de nombreuses filiations viennent à l’esprit. On peut par exemple ressentir la sensibilité d’un Jeff  Mangum (Neutral Milk Hotel), la douce folie inspirée d’un Anton Newcombe (the Brian Jonestown Massacre) ou même la touche anti-folk d’un Jeffrey Lewis. Mais à mesure que l’on digère le disque, toutes ces références s’évaporent pour laisser place à une musique que seul Tim Cohen semble capable de produire. Le son est plus " folk " qu’avec les Fresh & Onlys et les digressions dans les arrangements sont plus nombreuses (trompettes, bidouillages, claviers-jouets, etc.). Mais la qualité d’écriture, elle, est intacte ; elle est même poussée à son apogée.
" She loves me all the time, even when my back is turned "
"Oh Oh Oh " et " Wonderfull life " inaugurent magnifiquement ces 40 minutes de bonheur béat. Sa voix gorgée de tendresse, des chœurs discrets et un jeu de guitare tout en caresses, nous plongent dans  l’intimité de ce nounours mélancolique. Sa plus grande réussite est d’oser tout un tas d’arrangements riches et improbables sans que ceux-ci ne prennent le dessus sur l’essence des compos. D’autant plus qu’envoyer les trompettes et les claviers eighties (" Send no sign ", " A mind of their own ") sur du fait maison peut paraître un peu casse gueule. Au détour d’une interview il avoue essayer de produire le meilleur son avec ce qu’il a sous la main. Et le résultat est bluffant : aucune faute de goût et un sentiment de liberté totale, très communicatif. Même pour la voix Tim se lâche : tantôt folkeux à fleur de peau (" That’s my babe " ou LA chanson pour tomber amoureux) tantôt crooner lounge (" Mine’s the one "). La fin de l’album est elle aussi renversante. " Pray for me " est un chef-d’œuvre, avec son petit clavier retro et ses relents psyché. C’est l’ultime preuve que le lo-fi peut être travaillé et sonner magnifiquement. Puis avec " Small things matter " Tim rentre dans le corps de Daniel Johnston pour une pop song autiste et lunaire, digne de " True love will find you in the end ".
Cet album est déjà un peu un classique. Il a une saveur unique, faite de paradoxes : des ambiances de grenier mais un sentiment de rayonnement euphorisant, du lo-fi mais des arrangements soignés comme rarement, etc. Chaque écoute est un nouveau plaisir, une nouvelle découverte. Pourvu qu’il ne redescende pas de sa canopée. Ce gars est sacré.
Punching Joe

"Oh Oh Oh"

"That's my baby"

lundi 4 juillet 2011

Magnetix, America tour 2007

(réalisé par Richard Hochman)

Il y a quelques semaines on vous parlait du documentaire sur Jay Reatard, Better than something, projeté à la Gaité Lyrique à Paris. On a cependant oublié de mentionner qu’il était précédé d’un excellent court-métrage qui retrace la tournée américaine d’un des groupes les plus barrés de la scène garage française, les Magnetix.

Déjà une dizaine d’années que ce couple de bordelais repousse les limites du garage, avec des chansons  qu'on dirait échappées des tripes d’un vieil ivrogne branché sur du 2000 voltes. Sans se soucier d'aucune mode Looch Vibrato hurle à s’en démettre la mâchoire sur des riffs de tronçonneuse, tandis que sa meuf, Aggy Sonotra, maltraite sa batterie façon Peggy O'Neill (the Gories). Ils ne cessent d’enregistrer depuis leurs débuts que ce soit des EP, des LP ou des maxis; et comme tout garageux qui se respecte ils  font profiter de leur productivité à de nombreux labels (Yakisakata Records, Born Bad, etc.). Pour commencer on vous conseille Positively Negative, sorti en 2009 chez Born Bad Records.
Mais les Magnetix c’est aussi, et surtout, un groupe de live. Sûrement ce qui se fait de mieux en France dans le genre. C’est donc avec joie qu’on découvre ce court-métrage qui retrace leur tournée US de 2007. Un petit bijoux DIY de 11 minutes à l’image du groupe, épileptique et incisif. Tout y est : la décontraction des deux compères, des lives intenses, des ricains exubérants et un fou rire culte (avec Dick Rivers).
Ladies and gentlemen, I give you…Magnetix !



Punching Joe

vendredi 1 juillet 2011

The Feeling of Love, Dissolve Me

You're dumb when you're dead

J’ai découvert le trio messin de The Feeling of Love à l’automne dernier en première partie de Ty Segall. Leur set m’avait laissé une impression plutôt agréable, mais pas un souvenir impérissable. D’une : parce que l’attention qu’on porte à une première partie se dissout vite dans la bière. De deux : parce que leur nom est un peu naze et les fait passer pour des putains de hippies nostalgiques de Woodstock. Après quelques jours d’oubli j’ai quand même décidé d’y jeter une oreille au calme. J’ai chopé OK Judge Revival, leur deuxième album (Kill Shaman Records, US), et là mes pupilles se sont très vite dilatées. Onze chansons de garage malsain et répétitif, aussi effrayantes que fascinantes. Sans dec’, on a le droit de faire ça en France ?
Il faut d’ailleurs savoir que le chanteur/guitariste, Guillaume Marietta, et le claviériste, Seb J., faisaient auparavant partis d’un groupe, A.H. Kraken, connu pour son univers tordu et immoral. Ils jouaient un garage new-wave très noise, qui avait tapé dans l’œil du label américain In the Red (Thee oh Sees, The Dirtbombs, Jay Reatard, etc.), rien que ça ! Celui-ci avait alors publié leur excellent Elle Avait Peut-être 19 Ans Mais Pour Moi Elle En Aura Toujours 12.

Guillaume Marietta (guitare), Seb Normal (batterie), Seb J. (clavier), live à la Villette Sonique, 2011.

J’ai appris dans la foulée qu’ils allaient sortir leur troisième LP chez Born Bad Records (Cheveu, Magnetix, Yussuf Jerusalem), Dissolve Me. Rien qu’à la vue de la sublime pochette ce disque ne pouvait pas être mauvais. Et c’est le cas, c’est même un putain de disque, comme on n’en entend pas cinq par an.

The Feeling of Love parvient à synthétiser toutes les sonorités qu’ils avaient jusque là explorées (garage incisif, psyché, kraut-rock)  et poussent le bouchon encore plus loin. L’album s’ouvre sur deux chansons fantastiques, « Cellophane face » avec son clavier baveux et hypnotique qui encercle une guitare tout droit sorti de White Light/ White Heat, tandis que « Dissolve me » prend un malin plaisir à faire une fondue de notre cerveau. 
"I'm listening to sixties garage rock'n'roll, 'cause I'm old and I am blue"
Par ailleurs le groupe ne semble pas avoir perdu son goût du trash et du déviant, notamment dans les paroles (« 666 blank girl », « Empty trash bag»). Mais comme dirait Guillaume : « Je ne pense pas que ce soit de la perversion. J’essaye juste de dire je t’aime de différentes façons ». Quant au son, il est lui clairement plus planant. On sent qu’ils ont appuyé sur le côté répétitif et hypnotique. On ne se s’étonne pas d’apprendre en conséquence qu’ils sont fans des Spacemen 3. Mais on peut aussi légitimement les associer à Suicide pour le clavier, au Velvet ou aux Warlocks pour la guitare, le chant drogué et aux Black Angels pour la batterie primaire. Outre les deux premières chansons, les autres moments forts du disque arrivent avec  « I’m the road » un modèle de garage-psyché qui, avec ses mauvaise ondes, finit par avoir raison de nos cellules de popeux. « Empty trash bag » fait elle carrément péter le gros riff de trombone façon Sonics et nous marque définitivement le cuir au fer rouge. Une petite parenthèse nous est accordée en milieu du disque avec une reprise improbable de Gainsbourg, « Là bas c’est naturel ». Une chanson à l’image de la pochette, luxuriante et inquiétante grâce à une instrumentalisation mystique et  un chant d’amazone directement échappé d’une jungle.
Non, vraiment, ils ont la classe ces mecs là…et ils sont français ! Bordel ça fait tellement du bien d’entendre enfin un groupe de rock français qui va jusqu’au bout de son idée sans se brider. J’espère qu’on leur accordera la reconnaissance qu’ils méritent,  ça serait quand même con de les voir repartir sur le marché US. En tout cas, longue vie à « La Grande triple alliance internationale de l’Est » (un regroupement de musiciens, formé à l’époque de A.H. Kraken, qui s’entre-aide et partage certaines conceptions esthétiques) !
Punching Joe

"Empty Trash Bag"

"Cellophane face"

Interview + live, la suite ici